Литература XVII века
С XVII века принято вести отсчет Новому времени в истории человеческой цивилизации. Занимая пограничное положение между эпохой Возрождения (XIV–XVI вв.) и эпохой Просвещения (XVIII в.), XVII век многое воспринял от Ренессанса и немало оставил после себя.
Основными литературными направлениями XVII века стали барокко и классицизм.
Значительную роль играет в литературе XVII века барокко. Признаки нового стиля начали проявляться еще в конце XVI в., но расцветом его стал именно XVII век. Барокко – это отклик на общественную, политическую, экономическую нестабильность, мировоззренческий кризис, психологическую напряженность пограничной эпохи, это стремление творчески переосмыслить трагический итог гуманистической программы Ренессанса, это поиски выхода из состояния духовного кризиса.
Трагически-возвышенное содержание определило и основные черты барокко как художественного метода. Произведениям барокко свойственны театральность, иллюзорность (не случайно драма П. Кальдерона названа «Жизнь есть сон»), антиномичность (столкновение личного начала и общественного долга), контрастность чувственной и духовной природы человека, противопоставление фантастического и реального, экзотического и обыденного, трагического и комического. Барокко изобилует сложными метафорами, аллегориями, символикой, его отличает экспрессивность слова, экзальтация чувств, смысловая многозначность, смешение мотивов античной мифологии с христианской символикой. Поэты барокко уделяли большое внимание графической форме стиха, создавали «фигурные» стихотворения, строки которых образовывали рисунок сердца, звезды т. п.
Такое произведение можно было не только читать, но и рассматривать как произведение живописи. Писатели провозгласили оригинальность произведения его важнейшим достоинством, а необходимыми чертами – трудность для восприятия и возможность различных истолкований. Испанский философ Грасиан писал: «Чем труднее познается истина, тем приятнее ее постичь». Художники слова высоко ценили остроумие, парадоксальность суждений: «Во имя жизни не спеши родиться. / Спеша родиться – умереть спеши» (Гонгора).
Самыми известными писателями барокко были: в Испании Луис де Гонгора (1561–1627), Педро Кальдерон (1600–1681), в Италии Торквато Тассо (1544–1595), Джамбаттиста Марино (1569–1625), в Германии Ханс Якоб фон Гриммельсгаузен (ок. 1621–1676), в Беларуси и России Симеон Полоцкий (1629–1680). Исследователи отмечают влияние стиля барокко на творчество английских писателей У. Шекспира и Дж. Мильтона.
Второе литературное направление, получившее в XVII веке широкое распространение, – классицизм. Родиной его была Италия (XVI в.). Здесь классицизм возник вместе с возрождаемым античным театром и первоначально мыслился как прямое противопоставление средневековой драматургии. Гуманисты Возрождения решили умозрительно, без учета своеобразия конкретных исторических эпох и народов возродить трагедию Еврипида и Сенеки, комедию Плавта и Теренция. Они были первыми теоретиками классицизма. Таким образом, классицизм первоначально выступил как теория и практика подражания античному искусству: рационалистическая строгость и логичность сценического действия, абстрактность художественного образа, патетика речи, величественные позы и жесты, одиннадцатисложный нерифмованный стих. Таковы особенности трагедии Триссино (1478–1550) «Софонисба», написанной по образцу трагедий Софокла и Еврипида и открывшей эпоху европейского классицизма.
Образцы классицистического искусства были созданы в XVII веке во Франции. Здесь откристаллизовалась и его теория.
Философской основой классицистического метода стало рационалистическое учение Декарта. Философ считал, что единственным источником истины является разум. Приняв это утверждение за исходное, классицисты создали строгую систему правил, согласующих искусство с требованиями разумной необходимости во имя соблюдения художественных законов античности. Рационализм стал главенствующим качеством классицистического искусства.
Ориентация классицистической теории на античность была связана прежде всего с представлением о вечности и абсолютности идеала прекрасного. Это учение подтвердило необходимость подражания: если в одни времена создаются идеальные образцы прекрасного, то задача писателей последующих эпох – максимально к ним приблизиться. Отсюда строгая система правил, обязательное соблюдение которых считалось гарантией совершенства художественного произведения и показателем мастерства писателя.
Классицисты установили и четко регламентированную иерархию литературных жанров: определялись точные границы жанра, его особенности. К высоким относились трагедия, эпопея, ода. В них изображалась сфера государственной жизни, судьбоносные события, действовали приличествующие высокому жанру герои – монархи, военачальники, знатные особы. Отличительной особенностью были высокий стиль, возвышенные чувства, в трагедии – драматические конфликты, гибельные страсти, нечеловеческие страдания. Задача высоких жанров – потрясти зрителя.
В низких жанрах (комедия, сатира, эпиграмма, басня) отражалась сфера частной жизни, ее быт и нравы. Героями были обычные люди. Писались такие произведения простым разговорным языком.
Классицисты-драматурги должны были следовать правилам «трех единств»: времени (не больше одних суток), места (одна декорация), действия (отсутствие побочных сюжетных линий). Правила устанавливались ради создания иллюзии достоверности.
Важной составляющей классицистической теории является понятие об общих типах человеческого характера. Отсюда проистекала известная абстрактность художественных образов. В них подчеркивались универсальные, «вечные» черты (Мизантроп, Скупой). Герои делились на положительных и отрицательных.
Сценический характер у классицистов по преимуществу односторонен, статичен, без противоречий и развития. Это характер-идея: он настолько раскрыт, насколько этого требует вложенная в него идея. Авторская тенденциозность, таким образом, проявляется совершенно прямолинейно. Без изображения в человеческом характере единичного, личностно-индивидуального классицистам трудно было избежать схематичности, условности образов. Мужественный герой у них мужествен во всем и до конца; любящая женщина любит до гроба; лицемер до гроба лицемерит, а скупой скупится. Отличительным качеством классицизма являлось учение о воспитательной роли искусства. Наказывая порок и вознаграждая добродетель, писатели-классицисты стремились совершенствовать нравственную природу человека. Лучшие произведения классицизма наполнены высоким гражданским пафосом.
Литература Испании
В начале XVII века Испания находилась в состоянии глубокого экономического кризиса. Поражение «Непобедимой Армады» (1588) у берегов Англии, неразумная колониальная политика, слабость испанского абсолютизма, его политическая недальновидность сделали Испанию второстепенной европейской страной. В испанской культуре, напротив, отчетливо обозначились новые тенденции, имевшие не только национальное, но и общеевропейское значение.
Мощным отголоском ренессансной культуры является творчество талантливого испанского драматурга Лопе де Веги (1562–1635). Представитель ренессансного реализма, он противопоставил трагизму барокко оптимистическую энергию, светлое миросозерцание, уверенность в неиссякаемости жизненных сил. Драматург отбросил и «ученую» нормативность классицистической теории. Писатель утверждал жизнелюбивые идеалы, стремился к сближению с народным зрителем, ратовал за свободное вдохновение художника.
– им написано, по свидетельству современников, более 2000 пьес, из которых опубликовано около 500, – обычно принято делить на три группы. Первую из них составляют социально-политические драмы, построенные чаще всего на историческом материале («Фуэнте Овехуна», «Великий герцог Московский»).
Вторая группа включает бытовые комедии любовного характера («Учитель танцев», «Собака на сене», «Девушка с кувшином», «Крестьянка из Хетафе», «Звезда Севильи»); иногда их называют комедиями «плаща и шпаги», поскольку главная роль в них принадлежит дворянской молодежи, выступающей в этом характерном для них одеянии (в плаще и при шпаге).
В третью группу входят пьесы религиозного характера.
Для понимания особенностей драматических произведений Лопе де Веги большое значение имеет трактат «Новое искусство сочинять комедии в наши дни» (1609). В нем, в сущности, сформулированы основные положения испанской национальной драматургии с ориентацией на традиции народного театра, со стремлением удовлетворить запросы зрителей, с правдоподобностью показываемого на сцене и искусным построением интриги, крепко завязанный узел которой не давал бы возможности распадаться пьесе на отдельные эпизоды.
Последовавшие за трактатом художественные произведения стали реализацией эстетических принципов писателя. Лучшая из этих пьес – драма «Фуэнте Овехуна» («Овечий источник», 1614). Драма имеет историческую основу. В 1476 году в местечке Фуэнте Овехуна вспыхнуло крестьянское восстание против бесчинств рыцарского ордена Калатавры и его командора Фернана Гомеса де Гусмана, творившего бесчинства и всевозможные насилия. Восстание закончилось убийством командора. В драме Лопе де Веги Командор – тиран и насильник, посягающий на честь крестьянских девушек, одна из которых – гордая Лауренсия – призывает односельчан к праведной мести. В пьесе немало ярких образов, и все же главный герой здесь – единый в своем устремлении восстановить справедливость народ.
Пьесы Лопе де Веги отличают жизнеутверждающий пафос, сочувственное отношение к простым людям, вера в их нравственную стойкость.
После стремительного взлета, пережитого Испанией в эпоху Возрождения, начиная с конца 30-х годов XVII века, все отчетливее обозначаются признаки упадка, обусловленного прежде всего социально-политическими причинами. Прекращение притока золота из Америки, полное расстройство внутренней хозяйственной жизни в стране, серия внешнеполитических неудач – все это окончательно подорвало экономическое и политическое могущество Испании.
Социально-политическое неблагополучие, кризис гуманистического сознания, жесточайшая феодально-католическая реакция, разрушение феодальной системы в целом вызвали упаднические настроения в обществе. Попыткой осмыслить происходящее, выйти из состояния духовного кризиса, найти нравственные основания в новых исторических условиях стало барокко, наиболее наглядно представленное в творчестве Луиса де Гонгоры (1561–1627) и Педро Кальдерона (1600–1681).
Гонгора был крупнейшим поэтом испанского барокко. Стиль Гонгоры отличается метафорической насыщенностью, использованием неологизмов, архаизмов. Поэт отказывается от традиционного синтаксиса. Лексика переполнена многозначным словами: «Рубины губ твоих в снегу оправы» – о белизне лица, «летящий снег» – о белой птице, «убегающий снег» – о бегущей от Полифема Галатее. Несмотря на образное богатство, Гонгора создает «поэзию для ума», требующую от читателя активной интеллектуальной работы. Наиболее полно поэтическое мастерство Гонгоры проявилось в поэмах «Сказание о Полифеме и Галатее» (1612) и «Одиночества» (1614). В поэме «Одиночества» тесно переплетены ренессансная идея о гармоничном сосуществовании человека и природы с барочной концепцией извечного одиночества человека в мире.
Искусство Кальдерона впитало в себя лучшие традиции Возрождения, но, будучи порожденным другой эпохой, оно дает совершенно другое видение мира. Кальдероном написано 120 пьес разнообразного содержания, 80 «аутос сакраменталес» (или «священных действ») и 20 интермедий. Своим художественным сознанием Кальдерон связан как с испанским Возрождением, так и с кризисными явлениями сво-его времени.
Продолжая традиции великого предшественника Лопе де Веги, Кальдерон писал комедии «плаща и шпаги». Наибольшей известностью из них пользуется написанная легким и изящным языком остроумная и жизнерадостная комедия «Дама-невидимка» (1629). В ней выражена идея о господствующей в жизни игре случая. Случайность здесь, как и в других комедиях, играет сюжетообразующую роль.
Однако не ренессансные комедии и народно-реалистические драмы принесли Кальдерону всемирную известность. Жизнелюбие и оптимизм не стали тональностью его творчества. Подлинного Кальдерона следует искать в его «аутос сакраменталес» и философско-символических пьесах, полных эсхатологических настроений, бытийных проблем, подавляющих своей неразрешимостью, противоречий, иссушающих сознание. Уже в юношеской драме Кальдерона «Поклонение кресту» (1620) на смену скептическому настроению к религии, свойственному гуманистам, приходит мрачная религиозная исступленность. Бог Кальдерона – грозная, беспощадная сила, перед лицом которой человек ощущает себя ничтожным и заблудшим.
В философско-аллегорической драме «Жизнь есть сон» (1634) прославление суровой католической доктрины сочетается с проповедью необходимости смирения и покорности божественному проведению. Основная драматургическая концепция Кальдерона – мысль о том, что человеческая судьба предопределена роком, что временная земная жизнь иллюзорна, она лишь подготовка к вечной загробной жизни.
Время и среда определили не только характер мировоззрения, общую направленность творчества Кальдерона, но и своеобразие его как художника. Драматургия Кальдерона отличается философской глубиной, утонченностью психологических конфликтов, взволнованным лиризмом монологов. Сюжет в пьесах Кальдерона играет второстепенную роль, все внимание обращено на раскрытие внутреннего мира героев. Развитие действия заменяется игрой идей. Слогу Кальдерона свойственны риторический пафос, высокая метафоричность образов, что роднит его с гонгоризмом – одним из течений испанского литературного барокко.
Поэтическая дерзость Кальдерона получила высокую оценку А. С. Пушкина.
Литература Италии
В XVII веке Италия переживает кризис гуманистических идеалов.
В этой обстановке на первый план выступает барокко, выразившееся наиболее ярко в маринизме – течении, получившем свое название от имени итальянского поэта Джамбаттиста Марино (1569–1625). В произведениях маринистов, последователей Марино, форма своими словесными изысками и самолюбованием заслоняла содержание. Здесь нет общественно важных тем, нет злободневных проблем современности. Особенность письма составляют сложные метафоры, причудливые образы, неожиданные сравнения. Марино был изобретателем так называемых «кончетти» – виртуозных словосочетаний, словесного парадокса, необычно примененных эпитетов, непривычных оборотов речи («ученый невежда», «радостная боль»).
Слава Марино в Италии была повсеместна. И тем не менее, современники поэта усматривали опасность маринизма и противопоставляли ему политически злободневную поэзию, выражающую нужды и чаяния итальянского народа, рассказывающую о ее страданиях (Фульвио Тести, Винченцо Филикайя, Алессандро Тассони).
Алессандро Тассони (1565–1635) страны, выступал против областнической раздробленности Италии, призывал к борьбе за ее независимость (поэма «Похищенное ведро»).
Итальянская проза XVII века представлена именами Галилео Галилея (1564–1642), пользовавшегося полемическим искусством публицистики в целях распространения своих научных идей («Диалог о двух главнейших системах мира»), Траяно Боккалини (1556–1613), протестующего против засилья испанцев в Италии, против аристократического снобизма, против апологетов классицизма, признающих только эстетические каноны Аристотеля (сатира «Известия с Парнаса»).
Литература Франции
Политика абсолютистского государства, направленная на ликвидацию феодального областничества и превращение Франции в мощную державу Западной Европы, соответствовала исторически прогрессивной тенденции эпохи, что обусловило передовой для своего времени характер классицизма как литературного явления. Ведущим художественным методом, официально признанным правительством абсолютистской Франции, стал классицизм. В классицистической литературе нашел отражение подъем национального самосознания прогрессивных слоев французского общества в период перехода от феодальной раздробленности к общенациональному единству.
При кардинале Ришелье (1624–1642) было в основном завершено создание могущественного монархического государства, начатое предшественником Людовика XIII – Генрихом IV. Ришелье регламентировал и подчинил трону все стороны государственной, общественной, культурной жизни. В 1634 году им была создана Французская Академия. Ришелье покровительствовал зарождавшейся во Франции периодической печати.
В эпоху его правления Теофраст Ренодо основал первую французскую газету «Gazett de France» (1631). (Премия Теофраста Ренодо – одна из высших литературных наград в современной Франции.)
Историческая прогрессивность классицизма проявляется в его тесной связи с передовыми течениями эпохи, в частности, с рационалистической философией Рене Декарта (1596–1650), так называемым картезианством. Декарт смело боролся со средневековой феодальной идеологией, его философия опиралась на данные точных наук. Критерием истины для Декарта был разум. «Я мыслю – значит, я существую», – заявил он.
Рационализм стал философской базой классицизма. Современники Декарта, теоретики классицизма Франсуа Малерб (1555–1628) и Никола Буало (1636–1711) – высшего критерия объективной ценности художественного произведения – обязывают искусство к правдивости, четкости, логичности, ясности и композиционной стройности частей и целого. Они требовали этого и во имя соблюдения законов античного искусства, на которое ориентировались в создании классицисти-ческой программы.
Преклонение писателей XVII века перед разумом нашло отражение и в пресловутых правилах о «трех единствах» (времени, места и действия) – одном из стержневых принципов классицистической драматургии.
Кодексом французского классицизма стала дидактическая поэма Н. Буало «Поэтическое искусство» (1674).
Выше отмечалось, что классицисты, подобно художникам Ренессанса, в своей эстетике и в художественном творчестве опирались на античное искусство. Однако, в отличие от писателей эпохи Возрождения, теоретики классицизма обращались преимущественно не к древнегреческой, а к римской литературе периода империи. Монархия Людовика XIV, «короля-солнца», как он себя называл, уподоблялась Римской империи, герои классицистических трагедий наделялись римской доблестью и величием. Отсюда известная условность литературы классицизма, ее помпезно-декоративный характер.
И все же французские классицисты не были безумными эпигонами античных писателей. Их творчество имело глубоко национальный характер, оно было тесно связано с общественными условиями во Франции времен расцвета абсолютизма. Классицисты, сумев сочетать опыт античной литературы с традициями своего народа, создали свой оригинальный художественный стиль. Корнель, Расин и Мольер создали образцы классицистического искусства в драматическом роде.
философских, этических взглядов. Даже Корнель и Расин – создатели высокой классицистической трагедии – во многом расходились между собой.
Гассенди (1592–1655), выдающегося французского ученого, считавшего чувственный опыт основным источником всякого знания. Его учение нашло отражение как в эстетике этих писателей, так и в демократизме, оптимизме и гуманистической направленности их творчества.
Основным жанром классицизма стала трагедия, изображавшая возвышенных героев и идеализированные страсти. Создателем французского трагедийного театра был –1684). Литературную деятельность Корнель начал со стихов и комедий, не имевших особого успеха.
Слава приходит к Корнелю с появлением на сцене трагедии «Сид» (1636). В основе пьесы – трагический конфликт между страстью и долгом, на котором построена трагедия.
Молодой и доблестный рыцарь Родриго, мстя за оскорбление, нанесенное его отцу, убивает на поединке отца своей возлюбленной Химены. Химена оправдывает поступок Родриго, выполнившего долг фамильной чести, и выполняет свой – требует у короля смерти любимого. Выполняя свой фамильный долг, Родриго и Химена становятся глубоко несчастными. После нападения на Кастилью мавров, блестящей победы над ними, Родриго становится национальным героем. Фамильному долгу Корнель противопоставляет долг перед родиной. Феодальная честь должна уступить место гражданской чести. Химену пытаются убедить в несостоятельности ее требований: интересами семьи необходимо жертвовать во имя общественной необходимости. Химена принимает новую мораль, тем более что она отвечает ее личным чувствам. Корнель убедительно доказал, что новая государственная мораль человечнее морали феодальной. Он показал появление нового государственного идеала в век абсолютизма. Король Кастильи дон Фернандо изображен в пьесе идеальным самодержцем, гарантом общего благополучия и личного счастья своих подданных, если те сообразуют свои действия с государственными интересами.
Таким образом, в «Сиде» утверждается идея прогрессивности абсолютистской монархии, что в конкретных исторических условиях отвечало требованиям времени.
«Сид» вызвал серьезную полемику в литературных кругах. Вo «Мнении Французской Академии о «Сиде» (1638) пьеса Корнеля была осуждена за несоответствие канонам классицизма. В угнетенном состоянии Корнель уезжает к себе на родину. Однако через четыре года из Руана Корнель привозит две новые трагедии, которые уже вполне соответствуют классицистическим канонам («Гораций», «Цинна»). Как трагик Корнель предпочел историко-политическую трагедию. Политическая проблематика трагедий обусловливала и норму поведения, которой Корнель хотел научить зрителя: это идея героического сознания, патриотизма.
В трагедии «Гораций» (1640) драматург использовал фабулу из истории Тита Ливия. В основе драматургического конфликта – единоборство двух городов – Рима и Альбы Лонги, которое должен разрешить поединок братьев Горациев и Курианцев, связанных узами дружбы и родства. В пьесе долг понимается однозначно – это патрио-тический долг.
Не в силах простить брату Горацию смерть своего жениха, Камилла проклинает Рим, который разрушил ее счастье. Гораций, считая сестру изменницей, убивает ее. Смерть Камиллы становится причиной нового конфликта: по римским законам убийцу должны казнить. Отец Горация доказывает, что на убийство сына толкнул праведный гнев, гражданский долг, патриотическое чувство. Спасший Рим Гораций необходим своей родине: он совершит еще много подвигов. Царь Тулл дарует Горацию жизнь. Гражданская доблесть искупила преступление. Трагедия «Гораций» стала апофеозом гражданского героизма.
Трагедия «Цинна, или Милосердие Августа» (1642) рисует первые дни правления императора Октавиана-Августа, который узнает, что против него готовится заговор. Цель трагедии – показать, какую тактику выберет государь по отношению к заговорщикам. Корнель убеждает, что интересы государства могут совпадать с частными устремлениями людей, если у власти находится умный и справедливый монарх.
Заговорщики в трагедии – Цинна, Максим, Эмилия – действуют, следуя двум мотивам. Первая причина политическая: они хотят вернуть Риму республиканскую форму правления, не осознавая своей политической близорукости. Сторонники политических свобод, они не понимают того, что республика изжила себя и Рим нуждается в твердой власти. Второй мотив личный: Эмилия хочет отомстить за убитого Августом отца; Цинна и Максим, влюбленные в Эмилию, хотят добиться ответного чувства.
в Августе мудрого монарха и стали его сторонниками.
Высшая государственная мудрость, по Корнелю, проявляется в милосердии. Мудрая государственная политика должна сочетать разумное с гуманным. Акт милосердия, таким образом, – это акт политический, совершенный не добрым человеком Октавианом, а мудрым императором Августом.
В период «первой манеры» (приблизительно до 1645 года) Корнель призывал к культу разумной государственности, верил в справедливость французского абсолютизма («Мученик Полиевкт», 1643; «Смерть Помпея», 1643; «Теодора – дева и мученица», 1645; комедия «Лгун», 1645).
Корнель «второй манеры» переоценивает многие, казавшиеся столь прочными политические установки французской монархии («Родогунда – парфянская царевна», 1644; «Ираклий – император Востока», 1646; «Никомед», 1651 и др.). Корнель продолжает писать историко-политические трагедии, но акценты смещаются. Это связано с изменениями в политической жизни французского общества после вступления на престол Людовика XIV, что означало установление неограниченного господства абсолютистского режима. Теперь Корнель, певец разумной государственности, задыхался в атмосфере победившего абсолютизма. Идея жертвенного государственного служения, трактуемая как высший долг, уже не являлась стимулом поведения героев корнелевских пьес. Пружиной драматургического действия служат узколичностные интересы, честолюбивые амбиции героев. Любовь из нравственно-возвышенного чувства превращается в игру необузданных страстей. Теряет нравственную и политическую стабильность монарший трон. Не разум, а случай вершит судьбы героев и государства. Мир становится иррациональным и шатким.
Поздние трагедии Корнеля, близкие жанру трагикомедии барокко, – свидетельство отхода от строгих классицистических норм.
Жана Расина (1639–1690). С его именем связан новый этап в развитии классической трагедии. Если Корнель разрабатывал преимущественно жанр героической историко-политической трагедии, то Расин выступил создателем любовно-психологической трагедии, насыщенной в то же время и большим политическим содержанием.
не только на построение фабулы трагедии и характеров ее персонажей, но и на язык и слог сценического произведения.
Опираясь на авторитет Аристотеля, Расин отказывался от главнейшего элемента театра Корнеля – от «совершенного героя». «Аристотель не только весьма далек от того, чтобы требовать от нас совершенных героев, но, напротив, желает, чтобы трагические персонажи, то есть те, чьи несчастья создают катастрофу в трагедии, не были ни до конца добрыми, ни до конца злыми».
«среднего человека» (не в социальном, а в психологическом смысле), изображать слабости человека. Герои, по мысли Расина, должны обладать средними достоинствами, то есть добродетелью, способной на слабость.
Первой великой трагедией Расина явилась «Андромаха» (1667). Обратившись к греческой мифологической тематике, уже разработанной в древности Гомером, Вергилием и Еврипидом, Расин, однако, по-новому истолковал классическую фабулу. Поддавшись воздействию страстей, герои трагедии – Пирр, Гермиона, Орест – в своем эгоизме оказались жестокими, способными на преступление людьми.
Создавая образ Пирра, Расин решает политическую проблему. Пирр (монарх) должен быть ответственным за благо государства, но, поддавшись страсти, он приносит интересы государства ей в жертву.
Жертвой страсти становится и Гермиона, один из самых убедительных образов трагедии, внутреннее состояние которой превосходно психологически мотивированы. Отвергнутая Пирром, гордая и мятежная Гермиона становится эгоистичной и деспотичной в своих стремлениях и поступках.
За «Андромахой» последовал «Британик» (1669) – первая трагедия Расина, посвященная истории древнего Рима. Как и в «Андромахе», монарх изображается здесь беспощадным тираном. Молодой Нерон вероломно губит своего сводного брата Британика, престол которого он незаконно занял и которого любит приглянувшаяся ему самому Юния. Но Расин не ограничился осуждением деспотизма Нерона. Он показал силу римского народа, выступающего в качестве высшего судьи истории.
«Певец влюбленных женщин и царей» (Пушкин), Расин создал целую галерею образов положительных героинь, сочетающих в себе чувство человеческого достоинства, моральную стойкость, способность на самопожертвование, умение героически противостоять всякому насилию и произволу. Таковы Андромаха, Юния, Береника («Береника», 1670), Монима («Митридат», 1673), Ифигения («Ифигения в Авлиде», 1674).
Вершиной поэтического творчества Расина по художественной силе изображения человеческих страстей, по совершенству стиха является написанная в 1677 году «Федра», которую сам Расин считал лучшим своим созданием.
Царица Федра страстно любит своего пасынка Ипполита, влюбленного в афинскую принцессу Арикию. Получив ложное известие о гибели мужа Тезея, Федра признается в своем чувстве Ипполиту, но он отвергает ее. По возвращении Тезея Федра в порыве отчаяния, страха и ревности решает оклеветать Ипполита. Затем, терзаясь муками раскаяния и любви, принимает яд; во всем признавшись мужу, она умирает.
Главное новаторство Расина связано с характером Федры. У Расина Федра – страдающая женщина. Ее трагическая вина в невозможности справиться с чувством, которое сама же Федра называет преступным. Расин постигает и воплощает в своей трагедии не только нравственно-психологические конфликты своей эпохи, но открывает общие закономерности человеческой психологии.
Первым русским переводчиком Расина был Сумароков, получивший прозвище «российского Расина». В XIX веке вдумчивое отношение к Расину проявил А. С. Пушкин. Он обратил внимание на то, что французский драматург сумел вложить в галантно-изысканную форму своих трагедий глубокое содержание, и это позволило ему поставить Расина рядом с Шекспиром. В незаконченной статье 1830 года о развитии драматического искусства, служившей вступлением к разбору драмы М. П. Погодина «Марфа Посадница», Пушкин писал: «Что развивается в трагедии, какая цель ее? Человек и народ. Судьба человеческая, судьба народная. Вот почему Расин велик, несмотря на узкую форму своей трагедии. Вот почему Шекспир велик, несмотря на неравенство, небрежность, уродливость отделки» (Пушкин – критик. – М., 1950, с. 279).
Мольера (1622–1673).
Писательская биография Мольера (Жана Батиста Поклена) начинается с пятиактной стихотворной комедии «Шалый, или Все невпопад» (1655) – типичной комедии интриги. В 1658 году к Мольеру придет известность. Его спектакли будут пользоваться огромным успехом, ему будет покровительствовать сам король, но и завистники, опасные противники, из числа тех, кого осмеивал Мольер в своих комедиях, до конца жизни преследовали его.
Мольер смеялся, разоблачал, обвинял. Стрелы его сатиры не щадили ни рядовых представителей общества, ни высокопоставленных вельмож.
В предисловии к комедии «Тартюф» Мольер писал: «Театр обладает великой исправительной силой». «Мы наносим порокам тяжелый удар, выставляя их на всеобщее посмеяние». «Обязанность комедии состоит в том, чтобы исправлять людей, забавляя их». Драматург прекрасно понимал общественное значение сатиры: «Лучшее, что я могу делать, – это обличать в смешных изображениях пороки моего века».
«Тартюф», «Скупой», «Мизантроп», «Дон Жуан», «Мещанин во дворянстве» Мольер поднимает глубокие социальные и нравственные проблемы, предлагает в качестве самого действенного лекарства смех.
Мольер был создателем «комедии характера», где важную роль имело не внешнее действие (хотя драматург умело строил комическую интригу), а нравственно-психологическое состояние героя. Персонаж у Мольера наделен, в соответствии с законом классицизма, одной доминирующей чертой характера. Это позволяет писателю дать обобщенный образ человеческих пороков – скупости, тщеславия, лицемерия. Недаром некоторые имена мольеровских персонажей, например, Тартюфа, Гарпагона, стали нарицательными; тартюфом называют ханжу и лицемера, гарпагоном – скупца. Мольер соблюдал в своих пьесах правила классицизма, но не чуждался и народной традиции фарсового театра, писал не только «высокие комедии», в которых поднимал серьезные социальные проблемы, но и веселые «комедии-балеты». Одна из знаменитых комедий Мольера – «Мещанин во дворянстве» удачно сочетает в себе серьезность и актуальность поставленной проблемы с веселостью и изяществом «комедии-балета». Мольер рисует в ней яркий сатирический образ богатого буржуа Журдена, преклоняющегося перед дворянством, мечтающего влиться в среду аристократов.
Зритель смеется над необоснованными претензиями невежественного и грубого человека. Хотя Мольер и смеется над своим героем, он не презирает его. Доверчивый и недалекий Журден более привлекателен, чем живущие на его деньги, но презирающие Журдена аристократы.
Образцом «серьезной» классицистической комедии стала комедия «Мизантроп», где в спорах Альцеста и Филинта решается проблема гуманизма. В полных отчаяния словах Альцеста о царящих в человеческом мире пороках и несправедливости содержится острая критика общественных отношений. В разоблачениях Альцеста раскрывается социальное содержание комедии.
Мольер совершил открытие в области комедии. Используя метод обобщения, драматург через индивидуальный образ выражал сущность общественного порока, изображал типические социальные черты своего времени, уровень и качество его нравственных отношений.
Классицистические образцы жанра афоризма создали во Франции Ларошфуко, Лабрюйер, Вовенарт, Шамфор. Блестящим мастером афоризма был Франсуа де Ларошфуко (1613–1689). В книге «Размышления, или Моральные изречения и максимы» (1665) писатель создал своеобразную модель «человека вообще», обрисовал универсальную психологию, нравственный портрет человечества. Нарисованная картина представляла собой мрачное зрелище. Писатель не верит ни в правду, ни в добро. Даже гуманность и благородство, по мысли писателя, – лишь эффектная поза, маска, прикрывающая корысть и тщеславие. Путем обобщения своих наблюдений, видя в историческом явлении всеобщий закон, Ларошфуко приходит к мысли об эгоистической сущности человеческой природы. Себялюбие как естественный инстинкт, как мощный механизм, от которого зависят поступки человека, лежит в основе его моральных побуждений. Для человека естественна ненависть к страданию и стремление к наслаждению, поэтому и нравственность – это утонченный эгоизм, разумно понятый «интерес» одного лица. Для того чтобы обуздать природное себялюбие, человек прибегает к помощи разума. Вслед за Декартом Ларошфуко призывает к разумному контролю над страстями. Такова идеальная организация человеческого поведения.
Жан Лабрюйер (1645–1696) «Характеры, или Нравы этого века» (1688). В последнем девятом издании книги Лабрюйер описал 1120 характеров. Обратившись к сочинению Теофраста в качестве образца, Лабрюйер значительно усложнил манеру древнего грека: он не только обнаруживает причины пороков и слабостей людей. Писатель устанавливает зависимость человеческого характера от социальной среды. Из конкретного и индивидуального многообразия Лабрюйер выводит типичные, наиболее общие закономерности. В «Характерах» изображены различные слои парижского и провинциального общества времен Людовика XIV. Разделив книгу на главы «Двор», «Город», «Государь», «Вельможи» и т. д., автор строит ее композицию в соответствии с внутренней классификацией портретов (ханжи, скупцы, сплетники, болтуны, льстецы, придворные, банкиры, монахи, буржуа и др.). Лабрюйер, последний великий классицист XVII века, сочетая в своей книге различные жанры (максимы, диалог, портрет, новелла, сатира, моральное нравоучение), следует строгой логике, подчиняет свои наблюдения общей идее, создает типичные характеры.
В 1678 году появился роман «Принцесса Клевская», написанный Мари де Лафайет (1634–1693). Роман отличался углубленной трактовкой образов и точным показом реальных обстоятельств. Лафайет рассказывает историю любви жены принца Клевского к герцогу Немурскому, акцентируя борьбу между страстью и долгом. Переживая любовную страсть, принцесса Клевская преодолевает ее усилием воли. Удалившись в мирную обитель, она сумела с помощью разума сохранить покой и душевную чистоту.
Литература Германии
–1648). Вестфальский мир официально закрепил ее деление на множество мелких княжеств. Раздробленность, упадок торговли, ремесленного производства привели и к упадку культуры.
Огромную роль в возрождении немецкой культуры нового времени сыграл поэт Мартин Опиц (1597–1639) и его теоретический трактат «Книга о немецкой поэзии».
Прививая в немецкой литературе классицистический канон, Опиц призывает изучить поэтический опыт античности, формулирует основные задачи литературы, ставит акцент на задаче нравственного воспитания. Опиц ввел силлабо-тоническую систему стихосложения, попытался регламентировать литературу, установил иерархию жанров. До Опица немецкие поэты писали преимущественно на латыни. Опиц стремился доказать, что и на немецком языке можно создавать поэтические шедевры.
– поэма «Слово утешения средь бедствий войны» (1633). Поэт призывает соотечественников возвыситься над хаосом жизни, найти опору в собственной душе. Тема осуждения войны звучит в поэмах «Златна» (1623) и «Похвала богу войны» (1628). «Ученый классицизм» Опица не получил широкого развития, и уже в творчестве его учеников Флеминга и Логау явственно ощутимо влияние барочной поэтики.
Выдающимся поэтом немецкого барокко стал Андреас Грифиус (1616–1664), запечатлевший в пронзительно скорбных тонах мироощущение эпохи Тридцатилетней войны.
Поэзия Грифиуса перенасыщена эмоциональными, зрительными образами, символами, эмблемами. Излюбленные приемы Грифиуса –перечисление, намеренное нагромождение образов, контрастное сопоставление. «Холодный темный лес, пещера, череп, кость – // Все говорит о том, что я на свете гость, // Что не избегну я ни немощи, ни тлена».
«Лев Армянин, или Цареубийство» (1646), «Убиенное величество, или Карл Стюарт, король Великобритании» (1649) и др.).
Яркой фигурой немецкого барокко был самобытный поэт –1723). Гюнтер развивает мысль Грифиуса о лучших чувствах, разграбленных войной, о родине, забывшей своих сыновей («К Отечеству»). Поэт выступает против серости жизни, убогости, немецкой действительности, ее отсталости и косности. Многие мотивы его поэзии будут позже восприняты и развиты представителями движения «Бури и натиска».
Крупнейшим представителем в прозе барокко является –1676). Лучшим его произведением является роман «Симплициссимус» (1669). Автор описывает необычное странствие героя, имя которого – Симплиций Симплициссимус – переводится как «простой из простейших». Наивный, бескорыстный молодой крестьянин, идя по жизненной дороге, встречается с представителями различных социальных слоев немецкого общества. Герой сталкивается с произволом, жестокостью, царящими в мире, отсутствием честности, справедливости, доброты.
Во дворце правителя Ганау из Симплиция хотят сделать шута: на него надевают телячью шкуру, водят на веревке, кривляются, насмехаются над ним. Наивность и искренность героя все воспринимают как безумство. Через иносказание Гриммельсгаузен хочет сказать читателю о самом важном: страшен мир, в котором несчастье человека служит забаве. Война ожесточила людей. Симплициссимус ищет доброту в человеческих сердцах, призывает всех к миру. Однако душевный покой герой обретает на безлюдном острове, вдали от порочной цивилизации.
Гриммельсгаузен первым в немецкой литературе показал, какое разрушающее действие оказывает война на человеческие души. В своем герое писатель воплотил мечту о цельном, естественном человеке, живущем по законам народной морали. Именно поэтому и сегодня роман воспринимается как яркое антивоенное произведение.
Литература Англии
1. Предреволюционный период (1620–1630).
2. Период революции, гражданской войны и республики (1640–1650).
3. Реставрационный период (1660–1680).
В первый период (20–30-е гг. XVII в.) в английской литературе наблюдается упадок драматургии и театра. Идеология торжествующей абсолютистской реакции находит выражение в деятельности так называемой «метафизической школы», создающей умозрительную, отвлеченную от проблем действительности литературу, а также «каролинской школы», в которую входили поэты-роялисты. В творчестве Д. Донна, Д. Уэбстера,
Этим авторам противостоят писатели, в чьем творчестве развиваются гуманистические традиции эпохи Возрождения, укрепляются реалистические тенденции.
Таким был младший современник Шекспира Бен Джонсон (1573–1637), автор жизнеутверждающих и реалистических комедий «Вольпоне» (1607), «Эписин, или Молчаливая женщина» (1609), «Алхимик» (1610), «Варфоломеевская ярмарка» (1610).
–1650-е годы большое значение приобретает публицистика (трактаты, памфлеты, проповеди). Публицистические и художественные произведения писателей-пуритан нередко имели религиозную окраску и в то же время были насыщены протестом, духом ожесточенной классовой борьбы. Они отражали не только устремления возглавляемой Кромвелем буржуазии, но настроения и ожидания широких народных масс, выразившихся в идеологии левеллеров («уравнителей»), и особенно «истинных левеллеров» или «диггеров» («копателей»), опиравшихся на сельскую бедноту.
Демократическая оппозиция 1640–1650-х годов выдвинула талантливого публициста-левеллера Джона Лильберна (1618–1657). Знаменитый в свое время памфлет Лильберна «Новые цепи Англии» был направлен против порядков Кромвеля, превратившегося из полководца-революционера в лорда-протектора с деспотическими замашками. Отчетливы демократические тенденции в творчестве Джеральда Уинстенли (1609 – около 1652). Его обличительные трактаты и памфлеты («Знамя, поднятое истинными левеллерами», 1649; «Декларация бедного, угнетенного люда Англии», 1649) направлены против буржуазии и нового дворянства.
Самым ярким представителем революционного лагеря в английской литературе 40–50-х годов XVII века был Джон Мильтон (1608–1674).
«Жизнерадостный» и «Задумчивый», в которых намечаются основные противоречия последующего творчества: сосуществование пуританства и ренессансного гуманизма. В 1640–1650-х годах Мильтон активно участвует в политической борьбе. Он почти не обращается к поэзии (пишет лишь 20 сонетов) и целиком отдается публицистике, создав в итоге выдающиеся образцы публицистической прозы XVII века. Третий период творчества Мильтона (1660–1674) совпадает с эпохой Реставрации (1660–1680). Мильтон отходит от политики. Поэт обращается к художественному творчеству и пишет масштабные эпические поэмы «Потерянный рай» (1667), «Возвращенный рай» (1671) и трагедию «Сaмсон-борец» (1671).
«Потерянный рай» Мильтон рассказывает историю бунта Сатаны против Бога. В произведении много черт современной Мильтону эпохи. Даже в период жесточайшей реакции Мильтон сохраняет верность своим тираноборческим, республиканским принципам. Вторая сюжетная линия связана с историей грехопадения Адама и Евы – это осмысление многотрудного пути человечества к нравственному возрождению.
В поэме «Возвращенный рай» Мильтон продолжает размышление о революции. Прославление душевной стойкости Христа, отвергающего все соблазны Сатаны, служило назиданием недавним революционерам, испугавшимся реакции и спешно перешедшим на сторону роялистов.
Последнее произведение Мильтона – трагедия «Самсон-борец» – иносказательно также связана с событиями английской революции. В ней травимый политическими врагами Мильтон призывает к мести и к продолжению борьбы людей за достойное существование.